Op Art.

ARTE ÒPTICO

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y el estadounidense Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.El arte óptico es conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art o Op-Art.

 

La objetividad geométrica

-Contra el espiritualismo de la abstracción de posguerra se produjeron en los años sesenta dos reacciones: una de carácter figurativo, que recurrió a las imágenes de los medios de masas, es el pop-art; la otra es de carácter abstracto, cuyos antecedentes están en la fascinación por la geometría presente en la vanguardia.

El arte óptico (Op-Art), que alcanza su apogeo en los años sesenta, se propone producir efectos visuales de relieve, profundidad o movimiento mediante líneas y colores planos y estáticos.

Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969

 

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

 

Bridget Riley,Fete (1999) Screenprint, 26 x 34 3/8″

 

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Las mayores influencias artísticas de este movimiento son el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl o neoplasticismo y el Bauhaus. Además de tener importantes influencias intelectuales, psicológicas y científicas sobre la fisiología y la percepción.

Bridget Riley, Britannia (1961) emuslion on cardboard, 56×61

Los antecedentes de esta corriente, se encuentran en los juegos ópticos para niños de mediados del siglo XIX, algunos de los cuales se hallan también en los orígenes del cine.

Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios. Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos:

-La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

-Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.-Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

-Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.

-En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

-Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

-El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Kenneth Noland, The Other Side of Midnight, 2000

 

 

Artistas representativos del Arte Óptico:

-Víctor Vasarely (Hungría, 1908-1997)

-Bridget Riley (Inglaterra, 1931)

-Kenneth Noland (EE.UU, 1924)

-Frank Stella (EE.UU, 1936)

-Josef Albers (Alemania, 1888-1976)

-Lawrence Poons (EE.UU, 1937)

-Richard Anuszkiewicz (EE.UU, 1930)

-Carlos Cruz-Diez (Venezuela, 1923)

-Julio Le Parc (Argentina, 1928)

-Piero Dorazio (Italia, 1927-2005)

-Omar Rayo (Colombia, 1928)

-Eusebio Sempere (España, 1923-1985)

-Jesús Soto (Venezuela, 1923-2005)

-Antonio Lizarazu Balué (España, 1963)

VICTOR VASARELY

Es el creador del movimiento del Arte Óptico en Europa, muy conocido gracias a sus serigrafías con efectos ópticos. Vasarely inventó y difundió el Arte Óptico entorno a 1940 en París. En 1946. Combina colores y dos tipos de perspectiva para crear imágenes ambiguas y contradictorias.

Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Francia, 15 de marzo de 1997) es un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.

 

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística:

• intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.
• 1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos
• 1939-1948: «período menstrual» investigaciones previas al Op Art.
• 1948: «Abstracción cinética»
• 1948- 1958: «Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano. Hay 3 tipos de obras:

A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia. C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.

 

Víctor Vasarely – «Tsengue» (1989) 

 

 

Víctor Vasarely – «Broey Neg» (1989) 

 

 

Víctor Vasarely – «Linear Composition»

 

 

 

Victor Vasarely – «Composition Schwartz-Weiss»  

 

 

 

Víctor Vasarely – «Zebras Playing» 

 

 

Víctor Vasarely – «Ajedrez» 

 

 

Víctor Vasarely – «Herim» (1989)

  

 

Víctor Vasarely – Unknown (Squares and Circles) (1989) 

 

 

 

Víctor Vasarely – Untitled

 

 

 

Víctor Vasarely – «Metagalaxie» (1979)

  

 

 

Víctor Vasarely – «Andromeda» (1978)

 

 

 

Víctor Vasarely – «Phonix Constellation» (1987)

  

 

Bridget Riley

Nacida en Londres, Reino Unido, (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley pinta figuras geométricas y rayas en blanco y negro, con las que consigue una extraña vibración de la superficie.

Bridget Riley, Fall, 1963

 

 

 

Bridget Riley. Descending, 1965. Emulsion on Hardboard, 36×36 in.

 

 

Bridget Riley, Arrest 1, 1965, Emulsion on Canvas, 70×68^1/4 in

 

 

 

Bridget Riley – Cataract 3, 1967 – PVA on Canvas, 87×87^3/4 in

 

Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.

Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.

 

Bridget Riley. Breathe, 1966.Emulsion on Canvas, 117×82 in.

  

La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.

 

Bridget Riley, Movement in Squares, 1961, Tempera on Hardboard, 48^1/2x47^3/4 in. 

 

 

 

Bridget Riley, Blaze 1, 1962, Emulsion on Hardboard, 43×43 in

 

En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos «didácticos» Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.

Bridget Riley, Orient 4, 1970,Acrylic on Canvas, 88×127 i

 

 

Bridget Riley, loss (1964)

 

 

 

Bridget Riley, Ease, (1987)

 

 

 

Bridget Riley au Musée d’Art Moderne
Cargado por mairiedeparis

 

 

 

Kenneth Noland

(Nacido en 1924). Pintor en estilo abstracto, nacido en Asheville, Carolina del Norte estadounidense.

Entre 1946 y 1948, Noland asistió a clases del Black Mountain College. Se identifica como un expresionista abstracto. Amigo de Morris Louis, ambos adoptaron la técnica de Helen Frankenthaler que dejaba que la pintura acrílica chorrease sobre la tela.

Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica.

Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas, dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la composición.

Se interesa por la adaptación de las zonas de color a los límites del marco del cuadro.

En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos rectangulares a base de franjas de color superpuestas.

Kenneth Nolan, Virginia Site, 1959

 

 

Kenneth Nolan, Blue Extend,1962

 

Kenneth 1962, por Noland Drought, Systematic painting art.

 

 

 

kenneth Nolan, Lovely Rosa, 1983

 

 

Kenneth Noland, The Other Side of Midnight, 2000

 

 

FRANK STELLA

Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía. Es influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con colores planos o bandas monocromas.

Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.

 

 

A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional. El artista vive y trabaja en la Manhattan, Nueva York.

Frank Stella,  The Marriage of Reason and Squalor, II. 1959.

 

Frank Stella, Sunset Beach, Sketch, 1967

 

 

hyena-stomp-1962

 

 

Frank Stella #883

 

 

Frank Stella, Turkish mambo,1959-1960

 

 

JOSEF ALBERS  

 

Josef Albers (19 de marzo de 1888 – 26 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX.

Nacido en Bottrop, Westfalia, Albers estudió arte en Berlín, Essen y Múnich antes de en la prestigiosa Bauhaus de Weimar en 1920. Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau. 

Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933, Albers emigró a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del Norte, encargándose del programa de arte hasta 1949. De 1950 a 1958, Albers dirigió el Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut). 

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo. Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente generación de artistas.

www.askart.com/…/josef_albers.aspx

 

ART TIMES May 1988

 

Interactions-of-color-1963

 

On an early sky, Josef Albers

 

To mitla, Josef Albers

 

 

Tierra Verde, Josef Albers.

 

hekmabear.blogspot.com/2007/05/vallarta-reenc…

www.mexicolore.co.uk/index.php?one=azt&two=aa…

 

 

LAWRENCE POONS

Más conocido como Larry Poons, nació en Tokio, Japón en 1937. 1955 El estudio en el New England Conservatory de la Música, con la intención de convertirse en un músico profesional. En 1959, se matriculó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, y también estudió en la Art Students League de Nueva York.
Se levanta a la prominencia en la década de 1960 con pinturas de círculos y óvalos en sólidos a menudo brillantemente coloreados, los orígenes. Estas pinturas transmiten una sensación de movimiento, y se clasificaron como op art. Aunque expone con artistas óptico en 1965, en 1966 se había alejado de la óptica del arte y más flexible hacia pictórica abstracta lienzos. Su trabajo está asociado con Op Art, el borde duro de pintura, pintura de color sobre el terreno, Lyrical abstracción y el expresionismo abstracto.
Actualmente residen principalmente en la ciudad de Nueva York, pero también mantiene un estudio en Nueva York.

 

Larry Poons. Sin titulo, 1964

 

 

Larry Poons, The wadsworth antheneum ten works. 1964

 

 

 Richard Anuszkiewicz 

  

 (1930- ), pintor y grabador estadounidense, que forma parte del movimiento del Op Art, cuyas obras geométricas parecen vibrar a través de sus formas en blanco y negro o por la interacción de colores violentos. Nacido en Erie, Pensilvania, estudió en el Instituto de Arte de Cleveland y en la Universidad de Yale con Josef Albers que, por aquel entonces, estaba experimentando con cuadrados de color. Entre las pinturas de Anuszkiewicz destaca Convexidad II (1966, Sidney Janis Gallery, Nueva York). Más adelante realizó y pintó cubos tridimemencionales.

 

Richard Anuszkiewicz. Rising and descending. 1958 

 

 

 

Richard Anuszkiewicz. The quickening power.1963

 

 

 

 

 Richard Anuszkiewicz. Sol I. 1964

 

 

 

 

 Richard Anuszkiewicz, DIAMANTE CROMATICO- 1965

 

 

Richard Anuszkiewicz.  Luminoso, 1965 

 

 

 

                                                                                            

Richard Anuszkiewicz.  Celestial.1966

 

 

 

 Richard Anuszkiewicz.  Sacred Green.1968 

 

 

 

Richard Anuszkiewicz.  Meta-Rouge. 1970 

 

 

 

   

Richard Anuszkiewicz- Cuadrado verde claro enmarcado en naranja, 1981.   

 

 

Eusebio Sempere (España, 1923-1985)    

A principio de 1950, Sempere viaja a Paris donde conoce a Vasarely quien le introduce en el arte de las formas geométricas. Sempere se convertirá a la vuelta a España en en guía de los artistas Óptico-cinéticos españoles.

La belleza de los espejismos ópticos y los mágicos efectosde los diseños geométricos son las características de su obra. Su obra está definida por la linealidad y por la repetición de sus figuras geométricas, buscando efectos ópticos en los que el color contribuye poderosamente a crear el volumen y efecto deseados. Su obra evoluciona hacia el constructivismo y el Op Art, incorporando elementos del arte cinético. Sempere ha realizado experimentos con la luz, color, ambiente y movimiento.

 

 Eusebio Sempere. Ley de la buena forma.1968

 

 

 Eusebio Sempere. Sín título. Monotipo

 

 

Antonio Lizarazu Balué

 

Nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor. En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.

 

Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.

El Arte cinético-lumínico es uno de los desarrollos del arte óptico. La novedad radica en la introducción del movimiento real como uno de los componentes de la obra. En la modalidad «lumínica» se introduce también la luz (artificial generalmente). Aquí la materia artística ya no es la tela, el pigmento, etc., sino el espacio, la luz y el tiempo. Como el proceso de fabricación es objetivo, tecnológico, la obra puede repetirse, serializarse, careciendo de importancia la idea de «unicidad». Muchas discotecas, escaparates y ambientes comerciales son, en realidad, aplicaciones «prácticas» de experiencias artísticas cinético-lumínicas.

 

«Arte Óptico autorreferente 005W»

 

Arte Optico 333w.

 

 

Asimetric flow.

 

 

Sin titulo 57.

 

 

Omar Rayo (Colombia, 1928)

 

 Pintor, caricaturista, grabador y dibujante colombiano inscrito al movimiento Op Art. En sus obras crea trazos y ángulos que forman grandes abismos.

Omar Rayo nos demuestra, en su obra gráfica y pictórica, que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro insondable. Utilizando el rastro primordial de los ancestros indígenas, Omar Rayo descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos tan propios de las culturas más antiguas del continente americano.

Omar Rayo nos demuestra además que el arte geométrico no es necesariamente frío y racional y que pueden hallarse, en esos patrones visuales, formas sumamente voluptuosas, alegres, lúdicas, ardientes, sugerentes y sensuales.    

 

   La Flor, imagen1

 

 

Sin Titulo.

 

 

Sin Titulo.

 

Sin Titulo.

 

 

Vertigo de las nubes articuladas.

 

 

Museo Rayo.

 

 

Museo Rayo. 

 

 Julio Le Parc (Argentina, 1928)      

 Es en los 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental.

 

 

En 1969 tras la disolución del GRAV y participar en la exposición llamada Ocho Artistas Cinéticos, Le Parc regresó a la pintura trabajando en una gama de catorce colores estrictamente definidos. Tras el 2000 ha retornado esporádicamente a su país para realizar nuevas obras de arte, a finales de 2006 se le encuentra instalando un sistema óptico especular en las ya citadas Galerías Pacífico, tal sistema permite la correcta iluminación ,y un juego reflexivo, de los murales existentes en dichas galerías. En cuanto a su actividad, Julio Le Parc prefiere hablar de experiencia ( lo que le aproxima a la noción de performance en «estado puro» ) o «una simple actividad humana» y no de arte.

 

 

 

Julio le Parc-A partir de un cielo de Van Gogh-1958

 

 

 

 Julio le Parc- ambivalencia-1959

 

 

 

doble-progresion-1959

 

 

Julio Le Parc- inestabilidad visual- 1959-1991

 

Julio Le Parc- para una visión perifèrica- 1959-1991

 

 

 Julio Le Parc- Rotación acelerada-1959 

 

 

 

 Julio Le parc- Rotación de cuadrados-1959

 

 

 

 Julio Le parc- secuencia en rotación- 1959

 

 

 

 Julio Le Parc- secuencias ambivalentes- 1959-1991

 

 

Julio Le Parc- secuencias progresivas-1959

 

 

Julio Le parc-Secuencias progresiva ambivalentes- 1959-1970